Imagens de arquivo, colagem digital, vídeo de webcam, captura de tela, GIFs, cor, som.

O título Mandacura emerge da junção e distorção das palavras "mão da cura". Apesar de ressoar como um termo afro-indígena brasileiro, a palavra representa essencialmente a ideia de que o poder da cura está contido nas mãos. O vídeo constrói-se por um fluxo incessante de preces, prazos, processos, prêmios e promessas que alimentam nosso corpo político e espiritual e que são constantemente representados – e sintetizados –, por gestos feitos com as mãos. A narrativa questiona nossa relação com as divindades, explorando as mensagens potencialmente transmitidas por elas em um momento de fim e início simultâneos. Trata-se de uma jornada na qual imagens pixelizadas carregam o espectador através de emoções conflitantes frente à sociedade, cultura, história e o futuro indefinido.

O filme se aventura pelo terreno experimental, explorando técnicas manuais de animação e incorporando GIFs autenticamente criados através de uma webcam, assim como “found footage”.

Com performance de Akwa Rodrigues da Silva (A.K.A Mother Lyly Soraya of The Kiki House Of Soraya) e captação e design de som de Anti Ribeiro. Obra comissionada pelo projeto Unfinished Camp (curadoria geral de Hans Ulrich, e latinoamericana por Pivô Arte e Pesquisa).

Em "Vidros de Tempo parte I”, biarritzzz nos convida a embarcar em uma jornada introspectiva pelos domínios do tempo e do espaço através da engenhosa exploração de espelhos em uma máquina a laser. Seu trabalho converge temas profundos de ilusão tanto óptica quanto social, buscando desvendar os labirintos da realidade contemporânea. Convoca uma entidade etérea, uma voz ancestral que narra histórias do Tempo, tecendo magia e mistério nas areias e mares de nosso entendimento coletivo sobre ideias como “futuro” e “centro”. Neste trabalho, as palavras não são apenas veículos de comunicação, mas entidades dançando em refrações infinitas na tela, cada uma contendo universos de possibilidades. A narrativa, cheia de simbolismo e metáforas, desafia-nos a reconsiderar nossas preconcepções e a mergulhar em reflexões sobre o presente para além de uma visão linear do tempo.

O vídeo em loop apresenta uma ambientação que se assemelha à uma tela de descanso comuns entre jogos digitais. É possível observar símbolos que fazem referência à quantidade de vidas restantes em uma partida, os controles que direcionam os movimentos dos personagens e ainda uma barra de progresso na parte inferior da tela. A combinação da música, da ambientação e do ser que flutua pelo lago na parte central trazem uma atmosfera de natureza lúdica para este momento de pausa.

A natureza deslocada em “EDAMI (◞‸◟ㆀ)” simula um terrário que abriga ossadas de espécies estranhas a nós. A cena pode ser entendida, portanto, como um registro de vida já existente e que agora é colocado para observação do espectador em um ambiente isolado, congelando interações que apenas podem ser imaginadas.

Connect nasce de um experimento coletivo realizado por Gilbertto Prado em 1991, interligando Paris e Campinas a diversos outros pontos geográficos do planeta em um circuito contínuo via fax. A partir de uma imagem inicial, seu fluxo de envio contínuo buscou criar uma obra em movimento. Em todos os pontos das transmissões, a imagem recebida passava por um processo de alteração e era, logo em seguida, transmitida adiante. Neste processo, o trabalho coletivo de execução se mostra tão essencial quanto seu resultado final(uma longa folha de papel com todos os registros produzidos), uma vez que neste é possível visualizar uma topografia das interações e dos registros de cada participante envolvido. Com isso, seu percurso só se faz possível por meio de uma poética coletiva e da performance.


Connect é um projeto que anuncia traços importantes da discussão perene de Prado com a tecnologia ao longo de sua trajetória: as experiências coletivas, os diálogos e os fluxos em rede possíveis a partir dos dispositivos. Sua prática busca reconstruir a imagem do Ouroboros – a serpente que morde a própria cauda –, um símbolo presente em diversas culturas, comumente associado à ideia de eternidade e ciclo. No contexto de Connect, o Ouroboros aparece transfigurado ao uso moderno da comunicação, mas seu cerne permanece o mesmo: aqui o fim é também um novo começo. Neste sentido, a união de duas extremidades, como o início e o fim, são análogos ainda ao campo dos extremos geográficos: o norte e o sul. Conectar realidades sociais, culturais e geopolíticas em uma arena de criação comum é também desafiar as contradições impostas pelo sistema de arte global, justapondo diferentes perspectivas e formas de perceber o processo.

Telescanfax surge como um projeto de experimentação sobre a contraposição entre o analógico e o digital nos anos 1990. O trabalho consistiu na leitura de imagens transmitidas por uma televisão através de um scanner manual que as modificava e transferia a outro visor – um processo possível com uso do fax-modem. As imagens originais da televisão escaneadas mostravam o comercial francês de um ferro de passar roupas, que confere nome a esta série de trabalhos – La vendeuse de fer à repasser (A vendedora de ferro de passar roupa). O movimento feito por Prado com o scanner remete àquele praticado com o ferro sobre a roupa, em um gesto mecânico e repetitivo que equipara o scanner, tido como uma “tecnologia de ponta”, a um objeto analógico utilizado há muitos anos na rotina doméstica. Prado se apropria das imagens existentes para decompô-las e traduzi-las em uma linguagem própria. Nesse processo, o resultado é um vídeo que exibe imagens embaralhadas, aparentemente indecifráveis, resultantes não apenas do dado imagético do scanner, mas, sobretudo, do movimento realizado pelo artista. Aqui, a importância do gesto, do movimento e da experiência é central, pondo à prova o determinismo das relações tecnológicas e fazendo emergir novos sentidos na relação com estes objetos.

No final da década de 1980, Venturelli atuou junto a diferentes departamentos da Universidade de Brasília, criando um software de modelagem e animação tridimensional, do qual  Que País É Este é resultado. O título homenageia a música de Renato Russo, consagrada em álbum homônimo da banda brasiliense Legião Urbana. No mesmo ano em que o álbum foi lançado, o Plano Piloto de Brasília foi designado como patrimônio mundial pela UNESCO, marcando assim um momento de exaltação do projeto moderno. A canção, no entanto, denuncia as desigualdades políticas e sociais vivenciadas no país, em contraposição ao sonho modernista. Na animação de Venturelli, corpos humanos nus “dançam” ao som da canção, executando movimentos distorcidos, que extrapolam a capacidade física de um corpo humano real, atrás dos quais são projetados cenários que remetem a uma estética popularizada pelos videogames e videoclipes dos anos 1980. Se, por um lado, a representação desses corpos parece aludir, de maneira lúdica, ao pensamento pós-humanista, enquanto referência a uma transformação radical do humano e da sociedade pelo desenvolvimento das novas tecnologias, a combinação desses elementos cria uma ambiência distópica, que pode ser interpretada como um desencantamento de certas perspectivas utópicas fundamentadas no desenvolvimento tecnológico.